Martin Scorsese, realismo, violencia y genialidad

Martin Marcantonio Luciano Scorsese (n. Flushing, Estado de Nueva York, 17 de noviembre de 1942) es un director, guionista y productor de cine estadounidense, ganador de un Óscar, dos Globos de Oro y dos premios BAFTA, así como de otro del Directors Guild of America (Gremio de directores de Estados Unidos), además de ser uno de los fundadores de World Cinema Foundation. Condecorado con la Legión de honor en 1987.

Las obras de Scorsese abordan principalmente los temas de la vida italo-estadounidense y los conceptos de culpa y redención católicos romanos, el machismo y la violencia endémica en la sociedad estadounidense. Scorsese es ampliamente considerado como uno de los directores más influyentes de su generación.

Ganó un premio MFA por su obra como director de cine otorgado por la prestigiosa Escuela de Cine de la Universidad de Nueva York. Tras múltiples nominaciones a lo largo de su carrera, ganó finalmente el Óscar al mejor director por su película The Departed (Los infiltrados), la cual también ganó el Óscar de mejor película en la 79ª edición de los Premios de la Academia celebrados en 2007. El Óscar se lo entregaron Francis Ford Coppola, George Lucas y Steven Spilberg, que son buenos amigos suyos.

Inicialmente, Scorsese planeaba ordenarse como sacerdote, lo que se nota en muchas de sus películas, que reflejan una crianza católica. Se sintió atraído por el cine a edad temprana, y admite estar obsesionado con las películas, obsesión que se aprecia en el documental de 1995 A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Un viaje personal con Martin Scorsese a través de las películas de Estados Unidos). Siendo un niño enfermizo, pasaba mucho tiempo de convalecencia en casa, observando desde su ventana lo que ocurría en la calle. Gran parte de su infancia la pasó en cines, lo cual contribuyó a su determinación en ser cineasta.

Finales de los 60 y años 70

Martin Scorsese pertenecía a una familia de la clase trabajadora; su padre era planchador de pantalones. Sus padres fueron el tema de su documental Italianamerican, y realizaron numerosas apariciones en las películas de su hijo como actores secundarios. Durante varios años, su madre trabajó como la proveedora oficial de comida en todas las producciones de Scorsese, mientras su padre trabajaba en el departamento de vestuario. En la película Goodfellas (Buenos muchachos o Uno de los nuestros), Scorsese dijo que nadie planchaba cuellos como su padre lo hacía.

Scorsese junto a sus padres. Mamma y pappa Scorcese han incluso actuado en algunas de sus películas.

Scorsese asistió a la Universidad de Nueva York, obteniendo una licenciatura en la escuela de cine en 1964 y una maestría en la misma disciplina en 1966. Luego en 1969 Realizó su primer largometraje:

Who's That Knocking at My Door?, (1969)

En "¿quién llama a mi puerta?" JR, es un joven y pseudo-decente italo-americano, quien ha crecido en un confortable apartamento de la ciudad de Nueva York junto a su madre, la que tiene todo el lugar iluminado con velas, figuras de santos e imágenes de la Virgen Maria, con esa siempre distante sonrisa como de azafata cansada.

JR va al cine en donde valora y respeta la memoria de películas como "Río Bravo" y "El hombre que mató a Liberty Valance", luego es mostrado caminando bajo carpas anunciando "Ulises". y aunque no tiene trabajo, no carece de dinero. También sale a beber cerveza con los amigos en el club del barrio y ocasionalmente duerme con "rameras," a diferencia de "las damas", que son las vírgenes con las que se supone debe casarse.

J.R. Pasándoselo bien con los amigos del barrio.

JR, el héroe con problemas del primer largometraje de Martin Scorsese, Es el tipo de joven que, en una confusión total de sus valores, puede ofrecer en un minuto el "perdon" a la chica que ama, quién sufrió de una violación y los próximos minutos acusarla de ser una prostituta. Todo un Puritano católico romano, el tipo de antihéroe que ya casi había muerto y fue revivido gracias al genio del maestro.

J.R. y su novia. Cuándo todavía todo iba bien.

Este filme lo hizo junto a su compañero de estudios Harvey Keitel, y a partir de entonces formó parte de la "banda" de cineastas de la década de 1970: Francis Ford Coppola, Brian De Palma, George Lucas y Steven Spielberg. De Palma fue quien le presentó a Robert De Niro, lo cual dio pie a una estrecha amistad que los llevó a compartir muchos proyectos. En este periodo, Scorsese también trabajó como editor de la película Woodstock y realizó el documental Street Scenes (1970).

Boxcar Bertha, (1972)

Scorsese dirigió Boxcar Bertha por encargo de productor de películas de serie B Roger Corman, quien había ayudado a muchos directores a comenzar sus carreras, entre otros Francis Ford Coppola, James Cameron y John Sayles.

En este filme de baja calidad, Scorsese nos muestra un mediocre explotaition de Bonnie & Clyde con muchas balas y desnudos, una mugre a la que de seguro, Tarantino debe de rendirle culto.

Con Boxcar Bertha, Scorsese aprendió a hacer filmes rápidamente y de forma económica, lo cual le preparó para su primera película con Robert de Niro (aunque éste aún encarnaba a un personaje secundario y el protagonista seguía siendo Keitel).

Mean Streets, (1973)

"Calles peligrosas" es la película que estableció la reputación, de director de Don Martin y se considera a menudo, su más personal y emblemático trabajo. En comparación con sus películas siguientes, sin embargo, calles parece más como un esbozo (tanto temática como estilísticamente) más que un trabajo bien hecho, a pesar de la calidad de la película cuando se ve como un trabajo aislado.

El bueno de Charlie rezando, como todo buen cristiano.

En mean streets, Charlie (Harvey Keitel). De todos los héroes de Scorsese, es posiblemente el menos mentalmente inestable y el menos propenso a la violencia y a la acción. Al igual que Travis Bickle en Taxi driver, las respuestas a su entorno por parte de Charlie, son tan interiorizadas que la película debe utilizar dispositivos como la voz en off y los monólogos y la cámara lenta para explicar el argumento. Pero, a diferencia de Travis, Charlie se mantiene como un mero espectador de la violencia a su alrededor.

Si bien los protagonistas de las películas de Scorsese más tarde casi continuamente entran en acción creando situaciones que ponen en marcha e impulsan el argumento, Charlie, sin embargo, se mantiene en un estado de casi permanente indecisión. Es la presencia de Johnny Boy (Robert De Niro), que sugiere como serán los protagonistas posteriores de la obra de Scorsese con su propensión hacia la violencia física y emocional.

Johnny Boy, el típico tarado, pariente de alguien importante que piensa que por eso puede hacer lo que se le ocurra, ¿conocen ustedes a alguien así también?

Debido a la colaboración con Scorsese, De Niro después de mean streets director y actor fueron capaces de fusionar al masoquista Charlie con el violento e inarticulado Johnny Boy. En toda la narrativa posterior de los filmes de Martin, la extrema violencia y / o los trastornos emocionales que sirven como un punto culminante funciona como algún tipo de limpieza, al liberar a todos los demonios interiores de los personajes principales.

Recuerda: la policía es tu amiga. Si tienes dinero para sobornarlos, claro.

Hasta esta película Scorsese no se sentía satisfecho con su trabajo, pero aquí fraguó finalmente un estilo personal e intransferible. La película no resultó un éxito de taquilla, pero llamó poderosamente la atención de la crítica, y Scorsese y De Niro comenzaron a sonar con gran fuerza en los circuitos de Nueva York.

Alice doesn't live here anymore (Alicia ya no vive aquí, 1974)

La actriz Ellen Burstyn escogió a Scorsese para dirigirla en esta producción. Burstyn ganó un Óscar a la mejor actriz por esta película. Scorsese demostraba con esta película para señoras, que podía moverse en muchos registros sin ningún problema.

A continuación, Scorsese exploraría sus raíces étnicas en el documental Italianamerican, sobre sus padres Charles y Catherine Scorsese. Dos años después, en 1976, Scorsese asombró al mundo con Taxi Driver.

Taxi Driver, (1976)

Esta obra maestra cinematográfica del pasado siglo XX, supone la primera colaboración entre Martin Scorsese y el guionista y director Paul Schrader, una colaboración que se extendería a algunas otras películas posteriores.

Excelente guión de Schrader y excelente dirección de Scorsese, que nos hace tomar el punto de vista de Travis Bickle, de manera que el espectador ve una Nueva York gris, corrompida, infestada de gentes de mal vivir. Tal es así que nos parece incluso justificable "la misión" que lleva Travis a cabo, su particular ojo por ojo nos parece hasta lógico.

Como no podía ser de otro modo, siendo sus autores quienes son, la película rezuma pesimismo por los cuatro costados. Desconcierto e impotencia son otras de las sensaciones de Travis, a mi entender una metáfora de los Estados Unidos del momento, un país que venía de perder la infausta Guerra del Vietnam o del escándalo "Watergate". O como esa escena en la que prueba diversas pistolas, símbolo de la atracción por las armas de fuego de muchos Yankees. No hay lugar para la esperanza, ni siquiera se consuma el intento de historia de amor entre Travis y Betsy, por la extravagancias de este.

Mientras Travis realiza unas compras se da cuenta que están asaltando el lugar, así que provisto de una automática reduce al reggetonero rápidamente.

Huh! Huh? Más rápido que tú, maldita escoria. Te veo venir hijo de puta… lameculos. Aquí estoy parado frente a ti: Tu empiezas, es tu turno… No lo intentes, jodido. Me estás hablando a mí? Me estás hablando a mí? Me estás hablando a mí? Entonces a quién mierda más le estás hablando… Me estás hablando a mí? Bien yo soy el único aquí. A quién mierda pensaste que estabas hablando? Oh si? Huh? Okay.

Hay que destacar a una jovencísima Jodie Foster, cuya edad cuando rodó la película es la de su personaje, ni siquiera 13 años. Su personaje es usado para satirizar la liberación sexual de la mujer (tan en boga por entonces), ya que se considera liberada por haberse fugado de casa y dedicarse a la prostitución.

Si a todo ello sumamos a los estupendos secundarios (Shepherd, Keitel, Brooks) y una envolvente banda sonora del mítico Bernard Herrmann (que murió el día que acabó de grabar la música), obtenemos una obra maestra, como he dicho, que no envejece con el tiempo.

Paul Schrader, para crear este guión, se inspiró en varias salidas noctámbulas que vivió tras su divorcio, Scorsese se vio catapultado al estrellato con esta perturbadora historia, que protagonizó magistralmente un Robert De Niro en plenas facultades tras su gran éxito con El Padrino, parte II.

La película se alzaría con la Palma de Oro del Festival de Cannes y generaría un creciente prestigio que se mantiene hasta el día de hoy. Todavía hay un papel de reparto para Harvey Keitel y supuso el descubrimiento de una joven Jodie Foster, quien tendría una de las cuatro nominaciones al Óscar como mejor actriz de reparto.

“Todos los animales aparecen con la noche – Putas, zorritas, acosadores, travestis, maricones, drogos, adictos, locos de remate. Un días de éstos una gran lluvia caerá y lavará toda la escoria de las calles”. Todo lo que Travis Bickle quería era limpiar su ciudad. Seguro, pero sus buenas intenciones terminaron en caos y en un baño de sangre, pero, ¿no termina así todo buen plan?

La idea ha estado creciendo en mi cerebro por algún tiempo: VERDADERA FUERZA. Y ni todos los hombres del rey podrán recomponerlo como estaba antes.

Pienso que alguien debería sólo tomar esta ciudad y sólo… tirarla por el puto retrete.

Junio veintinueve. Debo ponerme en forma. Mucho estar sentado ha arruinado mi cuerpo. Mucho abuso que ha durado por demasiado tiempo. De ahora en adelante haré 50 flexiones cada mañana, 50 levantamientos. No habrá más pastillas, no más comida chatarra, no más destructores de mi organismo. De ahora en adelante habrá total organización. Cada músculo debe estar preparado.

New York, New York, (1977)

Su enorme fama le dio coraje para afrontar un atípico musical, su primera película de alto presupuesto: New York, New York. La pareja protagonista estuvo formada nuevamente por De Niro, en su tercera colaboración con el director, y una incombustible Liza Minnelli. Ambos daban cuerpo a un dúo -él saxofonista, ella cantante- que a lo largo de varias décadas mantuvieron una relación amorosa mientras trabajaban juntos en varios espectáculos musicales.

Este tributo musical a la ciudad natal de Scorsese fue un rotundo fracaso de taquilla, pero su canción principal, "New York, New York" alcanzó la categoría de clásico en la versión cantada por Frank Sinatra.

The last Waltz, (1978)

Para entonces, Scorsese ya había desarrollado una grave adicción a la cocaína. Entre su adicción y la depresión provocada por el último filme, Scorsese aún encontró la creatividad suficiente para hacer The Last Waltz (El último vals), un documental con una fotografía sobresaliente sobre el último concierto de The Band. Ese mismo año, apareció otro documental dirigido por Scorsese, titulado American Boy.

Años 80

Convencido de que estaba haciendo su última película, Scorsese invirtió todas sus energías en Raging bull (Toro Salvaje), sobre la vida y la carrera pugilística del violento y perturbado Jake LaMotta, de nuevo sobre guión de Paul Schrader, que adaptaba libremente las memorias del deportista.

Raging Bull, (1980)

Scorsese decidió rodar en blanco y negro, en parte para atenuar el rechazo a la enorme violencia del filme y en parte para hacerlo más realista, pero también perdió así gran potencial comercial. Robert De Niro interpretó con gran talento a LaMotta (ganaría su segundo premio Óscar) por este papel), y Joe Pesci a su hermano.

Además, ésta película supone el comienzo de la colaboración con la montadora Thelma Schoonmaker, viuda de Michael Powell, a la que conoció trabajando en los documentales Street Scenes y Woodstock, y que desde entonces ha sido fiel colaboradora en todos sus proyectos y que le ayudaría a cristalizar sus ideas sobre montaje.

Esta impactante imagen es de la película que muchos consideran la mejor de la década del ochenta: Toro Salvaje (Ranging Bull, 1980), de Martin Scorsese. Aunque lo impactante aquí está dado por el escandaloso rojo de la sangre, es una película rodada en un blanco y negro que es una de las virtudes del filme. Aún así, de golpes como el de la imagen está azotada esta cinta.

Pero en realidad lo menos impactante del filme son los golpes, porque más dolorosa y demoledora resulta la historia de Jake La Motta, un boxeador del Bronx que, durante la década del cuarenta, fue campeón mundial de peso medio, pero también pecador, hombre de familia, esposo obsesivo y animal salvaje.

Igualmente, fue una película muy célebre por la transformación física que tuvo que hacer Robert De Niro. Aumentó 30 kilos, ganó un Oscar e inició el mito del mejor actor yankee de los últimos tiempos.

La película no alcanzó ningún éxito de público, pero afianzó nuevamente a Scorsese en el podio de los realizadores más poderosos del panorama norteamericano, a la vez que de los más arriesgados, en pleno momento de crisis, con los estudios radicalizando sus ideas y con los autores en estado de sospecha tras los fracasos de directores como Michael Cimino y Francis Ford Coppola. Recuperado por tanto de sus adicciones, Scorsese empezó la nueva década con una película votada la mejor de la década de 1980, por la revista británica Sight and Sound.

Por entonces Scorsese ya le daba vueltas a dos proyectos que tardarían en ver la luz: The Last Temptation of Christ (La última tentación de Cristo, 1988) adaptación del libro de Nikos Kazantzakis La última tentación (1951), y Gangs of New York. Originalmente, la primera iba a ser producida bajo el sello Paramount en 1983 con Aidan Quinn en el papel de Jesús y Sting en el de Poncio Pilatos. Sin embargo, Paramount se retiró días antes de comenzar la filmación, argumentando presiones de grupos religiosos, por lo que el proyecto tuvo que esperar casi cinco años. La segunda sería una colosal producción para la que el director no tuvo inversión hasta veinte años después.

The King of comedy, (1983)

Tres años después de su drama sobre el boxeo, Scorsese estrenaría una de sus películas menos conocidas y más reivindicables, la comedia negra El rey de la comedia, de nuevo interpretada por De Niro, que daba vida a un fanático de un cómico encarnado por Jerry Lewis. Nuevo fracaso de taquilla.

After Hours, (1985)

En 1985 regresa a Nueva York para rodar un filme más acorde a lo que generalmente se espera de él, un retrato de los bajos fondos neoyorquinos. After hours representa, en cierta medida, un retorno a ambientes en los que él se maneja a la perfección, aunque esta ocasión se trata de un relato con tintes kafkianos, en el que un pseudo yuppie vive una delirante pesadilla dentro de los límites más perturbadores del Soho. La película obtendría un más que digno resultado en taquilla y le reportaría a Scorsese el premio al mejor director en el Festival de Cannes.

La bella Rossana Arquette, ¿por que ya no sale en las películas? Putos fascistas de Hollywood, no saben lo que es bueno.

The color of money, (1986)

Este filme fue protagonizado por Paul Newman, Tom Cruise y Mary Elizabeth Mastrantonio. Y es una secuela de The Hustler (El buscavidas, de Robert Rossen), en la que Paul Newman ya interpretó al jugador de billar Eddie Felson. En esta ocasión se trata de un homenaje, y a la vez, segunda parte hacia aquel mítico filme, pero en color y proponiendo una aventura plenamente scorsesiana, con un ya maduro Felson redimiéndose de su pasado. Segundo Óscar para Newman, éste como Mejor actor después de que el año anterior ganara uno como homenaje a toda su carrera.

Después, Scorsese dirigió el vídeoclip de la canción "Bad" (1987) para Michael Jackson. WTF!!!

Last temptation of Christ, (1988)

Finalmente Scorsese pudo filmar La última tentación de Cristo en 1988, con un presupuesto modesto pues Scorsese sabía que el filme no iba a arrasar en las taquillas. Sin embargo, no anticipó el furor y la controversia que iban a desatarse cuando el filme fue estrenado al año siguiente.

Las protestas en todo el mundo llegaron a la quema de varias salas, y a su prohibición durante más de quince años en algunos países. Por este filme, Scorsese recibió su siguiente nominación al Óscar al mejor director, que tampoco ganó. Sin embargo, el respaldo que varias figuras del mundo político le dieron a esta película otorgó credibilidad y prestigio al filme.

Noten el avanzado sistema de reciclaje de fluidos utilizado por esos días en el monte Gólgota. Todos unos genios estos romanos.

New York Stories, (1989)

En este año Scorsese se reunió con sus amigos Francis Ford Coppola y Woody Allen para rodar el filme colectivo Historias de Nueva York, para el que cada uno de ellos dirigiría un mediometraje. El primero de ellos es precisamente el de Scorsese, y quizá el mejor: Life Lessons, sobre las relaciones amorosas de un pintor deprimido (interpretado por Nick Nolte), quien intenta inspirarse gracias a la presencia de Rosanna Arquette.

Años 90

Lo primero que se vio en 1990 dirigido por él fue el alabado corto documental Made in Milan, en torno a la figura de Giorgio Armani. Pero ese año Scorsese dirigiría su primera película sobre la mafia desde Malas calles.

Goodfellas, (1990)

Con Goodfellas (Los buenos muchachos) Scorsese regresa al aprendizaje acumulado en Little Italy, para contarnos la historia verídica del 'ex-mafioso' Henry Hill, interpretado por el entonces emergente Ray Liotta. En tono elegíaco, crispado y cínico, narra tres décadas en la vida de un trío de gangsters (Liotta, un recuperado Joe Pesci y De Niro) que trabajan para una familia siciliana asentada sobre todo en los alrededores del aeropuerto de Nueva Jersey. Considerada por muchos analistas como una de las películas más importantes sobre la mafia que se han hecho, Los buenos muchachos propone una irónica versión del sueño americano, pervirtiéndolo a través de los ojos de Hill.

Los buenos muchachos en toda su majestad: Henry Hill, Jimmy Conway y Tommy de Vito.

"Goodfellas" es una película que tiene como narrador a la violencia en sí. Se sirve de ella para contar una historia, la de los chicos listos de la ciudad, y no nos la muestra como algo sin relación o sin sentido: es una violencia que tiene su propio protagonismo, que es necesaria puesto que sin ella no podría encontrar el lazo que uniera las vidas de estos "buenos chicos". No se trata de la violencia gratuita de muchas películas americanas. Ésta es el hilo conductor de este vertiginoso relato, del ascenso y descenso a un mismo sitio: a ese sitio al que nadie quiere pertenecer pero por el que todos sienten curiosidad.

Este lado prohibido, el que separa la rectitud de la delincuencia, es la serpiente que habitualmente tienta a muchos de los personajes de sus películas. Uno siente curiosidad por entrar en ese lado tenebroso que tan bien nos retrata con unos movimientos de cámara y una técnica de montaje de una calidad extraordinaria.

Una vez dentro, intenta justificar o hacer comprender el por qué de actuar así, el por qué de esa violencia necesaria, y es que eso te convierte en uno de ellos, o ¿acaso la gente quiere pasar desapercibida?, la gente no quiere ser un "don nadie", quiere respeto, lealtad, protección, y en realidad es eso lo que buscan estos personajes, separarse de la escoria que se mata trabajando honestamente por un ridículo sueldo, de esas caras sin nombre que vagan por las calles de Nueva York. Ellos necesitan sentirse distintos, tener más dinero, poder, influencia, sentirse respetados... y eso lo consiguen uniéndose a "ellos".

Se creen intocables, pero en realidad actúan de modo cobarde en muchas ocasiones, puesto que aunque se repitan a sí mismos los códigos de fidelidad por los que están unidos unos a otros, simplemente saben ganarse ese respeto actuando por encima de los demás, y se sienten muy valientes con un arma en la mano, cuando en realidad muchas veces no quieren pararse a pensar en que han acabado así, por esa obsesiva idea de ser distintos, y lo que ocurre, es que no tienen las suficientes aptitudes como para sobrevivir en el mundo real, que también es cruel, no sólo lo son ellos, y en ese mundo, no saben defenderse, por eso necesitan asegurarse de que están perpetuamente protegidos por "la família".

¿Las cosas no resultan como esperabas? Quema el local y cobra el seguro.

Todos seríamos más listos con un arma en la mano, pero eso ellos no lo saben, se sienten tan sumamente superiores, que lo que pasa fuera de su mundo no les importa, puesto que no pertenecen a él. Se han vendido por conseguir ese toque de distinción, por ganar esas miradas asustadas de la gente que no osa discutir con ellos el más mínimo problema, por subir esas escaleras desde las que contemplan a los diminutos y descerebrados seres humanos que intentan mantener una convivencia pacífica en una ciudad donde todo el mundo parece estar loco.

Hollywood por aquel entonces aclamaba la maravillosa interpretación de De Niro en la película "Despertares", y parece ser que no veían mérito alguno en este increíble trabajo como gángster (para mí una de sus mejores interpretaciones). Pero ya sabemos que allí, es necesario, representar de vez en cuando algún papel tipo "Rainman", para que te hagan caso.

En "Los buenos muchachos", Ray Liotta, nos narra la historia de su vida, de la vida de Henry Hill. Él tenía claro desde pequeño que quería ser uno de ellos, de hecho renuncia a todo lo que tenía, que en realidad no era gran cosa, aunque todo honesto, para pertenecer a esa mafia.

Cortando los ajos a la manera siciliana, los ajos debían estar tan delgados que se derritieran al tirarlos al aceite.

Joe Pesci, es el loco de la película, y su interpretación le concedió el oscar como actor secundario. Es el más irascible, violento, y estúpido de todos. Está tan convencido de que a pesar de su pequeña estatura es uno de los hombres más grandes de la ciudad que se olvida de que en su juego hay unas reglas que jamás deben incumplirse. Eran tan sencillas como las de los "Gremlins", sólo que como no tiene el cerebro en las condiciones normales, no es capaz de recordar que nunca se debe matar a nadie de "la família", pero eso a él le da lo mismo.

Si alguien le insulta, cree que tiene derecho a matarle salvajemente, incluso aunque haya muerto da lo mismo, hay que seguir golpeándolo no vaya a ser que pueda sentir algo... Todos le tienen miedo porque él mismo se siente inseguro. Nadie sabe de lo que es capaz de hacer, ni hasta dónde va a llegar. Es capaz de matar a un muchacho porque no le ha traído su bebida cuando se la ha pedido, o de asesinar a golpes a un antiguo compañero que le recuerda los viejos tiempos. Tiene que hacerlo porque necesita llamar la atención de algún modo, tiene que divertir a su público.

Tommy DeVito: Que quieres decir, déjame entender esto, porque, tu sabes quizás soy yo, estoy un poco jodido de la cabeza, pero cómo que soy divertido?, quiero decir cómo un payaso, te divierto?, te hago reir, estoy aquí para divertirte?, a que te refieres con divertido, divertido cómo? Cómo que soy divertido?

Tommy DeVito: Spider Sabes, eres un maldito balbuceante tartamudo pedazo de mierda. ¿Sabías eso?

Jimmy (De Niro) es el ejemplo que todos siguen, ese padre que quieren tener, el modelo a alcanzar, con un historial casi inigualable, de asesinatos y robos, que le hacen ser igual o más temido que Tommy (Pesci).

Él disfruta robando, la cantidad que sea, pero necesita robar, aunque a veces no escogerá el equipo adecuado y es posible que le traigan algún que otro problema. Pero ¿qué más da? Él estará tranquilamente en la barra de un bar, cuando nadie percibirá en su mirada penetrante que no sólo está tomando una copa: él está contando cabezas, sus cabezas, a las que iremos descubriendo mientras Eric Clapton toca los últimos acordes de "Layla".

Paul Sorvino, está genial en un papel sencillo, pero realmente convincente. Él es el punto de unión de toda esta fauna. No es un hombre de palabras, ni siquiera de acción, pero es él quien mueve los hilos a través de este selecto clan de marionetas que tiene rendidos a sus pies hasta que la muerte los separe o hasta que se maten unos a otros.

Henry Hill: (narrando) Paulie puede que haya sido de movimientos lentos, pero eso era sólo porque Paulie no tenía que moverse por nadie.

(Henry, Jimmy y Tommy están excavando con palas para encontrar el cadáver de Batts'. Henry está enfermo por el hedor, pero los demás no parecen que les moleste)
Tommy DeVito: Hey Henry, Henry, date prisa ¿quieres? Mi madre va a hacer algunas salchichas y pimientos fritos para nosotros. Oh hey, Henry, Henry. Aquí hay un brazo.
Henry Hill: Muy gracioso, chicos.
Tommy DeVito: Oye, aquí hay una pierna. Aquí hay un ala. (Se ríe)
Tommy DeVito: Oye, ¿qué es lo que te gusta, la pierna o el ala, Henry? ¿O todavía vas por el viejo corazón y pulmones? (Henry vomita)

La película obtuvo un sinfín de alabanzas, y era la favorita para los premios Óscar, largamente codiciados por Scorsese dada su cinefilia, pero perdió en favor del inferior Dances with Wolves de Kevin Costner (Bailando con lobos), aunque Pesci se alzó con la estatuilla a mejor actor en papel de reparto.

Cape Fear, (1991)

Scorsese prosiguió su carrera haciendo un remake de una película clásica que protagonizó Robert Mitchum en 1962: Cape Fear, (El cabo del terror, El cabo del miedo), contó con De Niro como Max Caddy, Nick Nolte como Sam Bowden, Jessica Lange como su mujer y una debutante Juliette Lewis como la hija de ellos. Resultó el mayor éxito económico de su director hasta la fecha, aunque teniendo en cuenta que iba en principio a ser dirigida por Steven Spielberg mientras él haría La lista de Schindler (luego se intercambiaron proyectos), y teniendo en cuenta que Spielberg ganaría el Óscar por ésta, supuso una nueva decepción más respecto al Óscar.

Sam Bowden es un abogado de pequeño pueblo, del tipo hombre de familia. Max Cady es un tatuado, fumador en cadena y maniático religioso, violador psicótico. ¿Qué tienen en común? Catorce años, Sam era un defensor público asignado a Max Cady por un caso de violación, y él cometió un grave error: ocultó documentos de su cliente que podrían haberlo absuelto. Ahora, el convicto, bibliófilo de Cady ha sido puesto en libertad, y tiene la intención de enseñar a Sam Bowden y su familia una cosa o dos acerca de lo que es la pérdida.

El personaje del convicto-sediento-por-venganza Max Cady interpretado por De Niro, estaba cubierto por tatuajes, muchos de ellos tomados de la imaginería bíblica. Balanzas de la justicia estaban dibujadas en su espalda sostenidas por una cruz gigante, además de otras frases cristianas en su pecho y brazos. Un freak de Jesús en toda la regla.

The age of innocence, (1993)

En este filme Scorsese regresaría a un cine mucho más personal y arriesgado, con la adaptación de Edith Warthon, en uno de sus textos más célebres: The Age of Innocence (La edad de la inocencia).

Con Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer y Winona Ryder, muchos se sorprendieron de ver a Scorsese en un proyecto a lo Visconti, no sabiendo quizá lo mucho que admira él al director italiano. La película goza de una gran consideración crítica, y se mantiene hoy como un discurso más de su director dentro de la ciudad de Nueva York.

Casino, (1995)

Esta es una nueva historia de gangsters, con un dúo conocido (De Niro y Pesci), y la sorprendente aportación de una fenomenal Sharon Stone, Casino, sobre los casinos controlados por la mafia en los años 70 y 80 en la ciudad de Las Vegas. Tres horas de melodrama en la línea de sus aportaciones al género y con un tono melancólico desconocido hasta el momento.

Aunque no pueda ser tomada como la 2ª parte de “Los buenos muchachos”, “Casino” es una continuación de esos chicos de la calle que, por una vez en la vida, toman las riendas de una ciudad soñada: Las Vegas. En si, esta película narra la transición entre dos mafias: desde la mafia que da origen a esta luminosa ciudad, hasta que las multinacionales, y con ellos los políticos jubilados, toman el relevo a esta gente de gatillo aún más rápido que un crupier con las cartas.

Sam Rothstein, el cabrón absoluto del Tangiers.

El genio de Scorsese vuelve a brillar con más esplendor que los neones que dan carácter a esta capital del juego. Uno de los planos iniciales ilustra un poco la intención de este autor: un plano aéreo de Las Vegas se dibuja en una noche oscura; las archifamosas luces dibujan sus calles; el plano continua su avance sumergiéndonos en la negrura, en ese desierto que guarda más de un secreto. Para eso, seguimos los avatares de Sam “Ace” Rothstein (R. de Niro), un apostador profesional, casi un científico (no juega por placer) que puede hacer variar los pronósticos de todo el país; pero que hace una única apuesta mala: enamorarse de Ginger (S. Stone).

Sobre esta historia de amor, el bisturí de Scorsese corta con una precisión incomparable y en ocasiones con una violencia sobrecogedora, todo el complicado engranaje sobre el que se sustentan estos centros de juego.

Como siempre, va bien escoltado. El guión es de N. Pieleggi (que coescribiera “Uno de...) & Scorsese; la fotografía, luminosa pero dramática de R. Richardson (director de la mayoría de las películas de O. Stone); el fantástico montaje, de su colaboradora más fiel, la montadora: T. Schoonmaker; la selección musical la realiza el propio Scorsese (sólo él y Kubrick tienen el poder de ajustar tan bien la banda sonora a la película); títulos: el último trabajo de S. Bass.

Un punto y aparte es el reparto, gran parte de él tomado en las mismas Vegas donde rodaba (sale también la madre de Scorsese haciendo el papel de “mamma” en una de las pocas escenas de comedia que hay).

¿Qué decir del trío protagonista? La altura del tándem: Scorsese, de Niro, y Pesci ya la conocíamos de otras obras maestras; aquí vuelven a jugar fuerte y salen ganando la apuesta con todos los honores. Es fascinante ver como Pesci, que en otras películas está pésimo, con Scorsese siempre se redime. Pero esta cima tiene un nuevo huésped: S. Stone.

En las vegas los problemas se resuelven a la manera del desierto, cavan un hoyo, te disparan y te entierran en la mitad de la nada.

Su interpretación es desgarradora, sentida, casi no interpreta: es Ginger, una buscona fascinante, enamorada del dinero y de un hombre equivocado (un proxeneta insignificante, magníficamente interpretado por James Woods), encerrada en una jaula de oro por Ace; pero sin olvidar en ningún momento ese vuelo que la lleva a la autodestrucción.En definitiva, “Casino” es esa mirada lúcida de un gran autor a un mundo que ya no existe, pero que con esta obra maestra queda para siempre grabada en nuestras retinas.

Nicky Santoro: (después de golpear a un tipo, hasta que empieza a llorar) Escuchas a una niña, Frankie? Es una niña pequeña, Ace? Es acaso una puta niña? ¿Qué ha pasado con el maldito tipo duro que le dijo a mi amigo que se metiera el lapicero por el jodido culo?

Kundun, (1997)

Este sería el año de otro proyecto no muy bien recibido por sus admiradores, que siempre esperan películas de la mafia: Kundun, sobre la vida y exilio del decimocuarto Dalái Lama, una película que algunos sectores críticos intentan reivindicar.

Bringing out the dead, (1999)

En 1999 estrenó Bringing out the Dead, que viene a ser como la otra cara de la moneda de la pesadilla urbana de Taxi driver, con un paramédico (Nicolas Cage) noctámbulo incapaz de olvidar que una noche no pudo salvar a una drogadicta e intenta redimirse. La película fue acogida con frialdad.

En esta película Nicholas Coppola, Oh perdón Nicholas Cage hace de un paramédico entrando en sicosis, actúa John Goodman y el negro que hacía de lando en star wars. Además tiene una excelente banda sonora, incluyendo a los magníficos The Clash.

Década de 2000

Gangs of New York, (2002)

En 2002, Scorsese por fin dirigió uno de sus más ansiados proyectos, Gangs of New York, la cual fue su empresa más arriesgada hasta el momento, con presupuesto superior a los cien millones de dólares, el más alto en la carrera de Scorsese.

¡Miren esos trajes!, puede que yo no sea experto en vestuario del siglo XIX, pero me parece que no eran de esos colores tan tropicales los trajes de ese tiempo.

La reacción de la crítica hacia la película fue moderadamente positiva, y a pesar de su alto coste consiguió recuperar gastos e incluso produjo beneficios, por lo que la aventura se saldó con éxito. Además, recibió diez nominaciones al Óscar, incluyendo Mejor película, Mejor director, y Mejor actor (para Daniel Day-Lewis). Scorsese perdió nuevamente, esta vez frente a Roman Polanski y su El Pianista y frente a Chicago. Significó el comienzo de su alianza con Leonardo DiCaprio.

Jajaja, el maricón de Di Caprio intentando actuar como hombre, según fuentes bien informadas, después de esta escena se desmayó.

The aviator, (2004)

El siguiente filme de Scorsese fue The Aviator (El aviador), película biográfica del excéntrico multimillonario y pionero de la aviación Howard Hughes. El filme fue lanzado a finales de 2004, con polarización de la crítica. Ganó tres Globos de Oro, incluyendo el de Mejor película dramática. En la entrega de los premios Óscar, El aviador fue la película con más nominaciones (once, incluyendo Mejor película, Mejor director y Mejor actor para Leonardo Di Caprio). Esta vez, Scorsese también salió con las manos vacías, al ver a Clint Eastwood llevarse el Óscar al mejor director y a la Mejor película con Million dollar baby.

El 5 de enero de 2005, Scorsese recibió el reconocimiento de la Légion d'honneur de parte del gobierno de Francia, por sus contribuciones al cine.

The Departed, (2006)

Después de presentar su documental sobre Bob Dylan en 2005, No Direction Home, sorprendió a todos en 2006 con su galardonada película The Departed (Los infiltrados), con la cual cosechó numerosos elogios. En esta cinta policíaca se reunió nuevamente con Leonardo Di Caprio y,por primera vez, con Jack Nicholson.

El malo que hacía Nicholson era un buen personaje, pero no me gustó que esta película estuviera vista del punto de vista de la policía. Además Matt Damon actúa como un chimpancé down y Di Caprio es demasiado gay incluso para una producción francesa.

El 25 de febrero de 2007, la Academia de Artes y Ciencias Cinematograficas de Hollywood le entregaba el Óscar al mejor director (y otros 3 Óscar, entre ellos el de Mejor película) con lo que se hacía justicia con uno de los más grandes directores de los EE. UU., que había sido nominado 8 veces y nunca había ganado, ni como director ni como guionista. Sin embargo muchos seguidores suyos opinan que no es más que un premio de consolación para una película menor en su brillante filmografía.

A finales de 2007 rueda un spot publicitario para la firma de vinos Freixenet: The Key to Reserva, traducido al español como La clave Reserva, en el que Scorsese ha realizado un cuidado homenaje a Alfred Hitchcock, especialmente a su película El hombre que sabía demasiado.

En 2008 realizó el documental Shine a Light, sobre el grupo de rock Rolling Stones. Ese mismo año se anunció su participación como productor de la serie Boardwalk Empire, ambientada en la época de la Ley seca. Contará con Steve Buscemi, Kelly MacDonald, Michael Pitt, Michael Shannon y Stephen Graham como actores, y además el mismo Scorsese dirigirá el capítulo piloto.

Bueno mis radiactivos lectores, acá les dejo con unos miserables videos robados impunemente, rindiendo homenaje a un absoluto genio, aunque por respeto al viejo de mierda de Scorsese van a ir un poco más suavecitos por esta ocasión. Que los disfruten!

Partimos esta noche con una creación de Eric Clapton, capische? Esta vez interpretada por Derek and The Dominos, el gran tema "Layla" (banda sonora de goodfellas)

Les dejo con un blues infernal, también sacado del gran filme Goodfellas, es de mi agrado presentarles al incomparable Muddy Waters interpretando: "Mannish Boy" Classico di classici.

El siguiente tiro en tu nuca te lo dará el gran Lou Reed, acompañando escenas de la batalla urbana que vive Travis Bickle intentando cambiar el podrido mundo donde vive en Taxi driver. Señoras y señores: "Waves of fear". Spero sia di vostro divertimento!

Ahora los dejo con unas Scene di morte, sacadas de la genial producción llamada Casino, con el setentero tema llamado "after midnight" el cual viene perfecto para mostrarnos a los mafiosos de la vieja escuela y sus efectivos métodos de persuasión.

Como punto cúlmine les dejo en compañía de un intermezzo de música clásica utilizado para el film Raging bull. Esta sublime pieza se llama "Cavalleria Rusticana" de Pietro Mascagni.